Словарь художника (А)
АБРИС (нем. — чертеж) — линейные очертания изображаемой фигуры или предмета. То же, что контур. Абрис (keyline) - линии на рисунке, указывающие область наложения краски, позиции полутонов и т.д., или других участков изображения, подлежащих определенной обработке на этапе воспроизведения. Также абрисом называют ручной набросок при геодезической съёмке с указанием промеров.
В изобразительном искусстве: линейный (контурный) рисунок вспомогательного характера, выполняемый при калькировании, например, в процессе работы художника над цветной литографией. В широком и менее точном значении термин АБРИС совпадает по смыслу с понятием контура.
Описание, характеристика кого-либо, чего-либо, данные в общих чертах, без деталей, подробностей.
АВТОПОРТРЕТ (греч. — сам) — портрет, в котором художник изображает самого себя. В этом случае создатель произведения и модель (см.) совмещаются в одном лице (см. Портрет). АВТОПОРТРЕТ (от авто.. и портрет), портрет художника, выполненный им самим (большей частью при помощи одного или нескольких зеркал).
Художник непосредственно выражает своё самосознание, оценку собственной личности, свои творческие принципы; с большой остротой воплощено единство личных и общественных начал — ощущение художником причастности своей судьбы к судьбам поколений и классов, к взлётам и упадкам искусства. Нередко, однако, художник изображает себя лишь в качестве наиболее доступной модели для различных художественных поисков, экспериментов.
Сальвадор Дали, автопортрет
Изображение себя художником известно уже в античном (Фидий) и средневековом (скульпторы 14 в. — новгородец Аврам и П. Парлерж в Чехии) искусстве. Живописцы итальянского Раннего Возрождения (Мазаччо, Доменико Гирландайо, Боттичелли) часто вводили свои изображения в сюжетные религиозные композиции.
Как разновидность портретного жанра автопортрет сложился в 16 в.: в искусстве Высокого Возрождения (Рафаэль, А. Дюрер) он выражает возросшее общественное значение художника, его самоутверждение, в искусстве маньеризма — замкнутость, неустойчивость внутреннего мира мастера, порожденную кризисом ренессансных идеалов; крупнейшие живописцы Позднего Возрождения (Тициан, Тинторетто) раскрывают зрителю драматическую судьбу творческой личности, отстаивающей свою духовную независимость.
Эта психологическая напряжённость находит развитие в автопортрете-исповеди 17 в., где нередко раскрываются социальный облик художника, его отношение к миру и обществу, его полная достоинства позиция борца за свои убеждения (Н. Пуссен, П. П. Рубенс и особенно Рембрандт, автор беспримерной по многообразию и психологической глубине серии А.). А. 18 в. (Ж. Б. Шарден, Дж. Рейнолдс, Ф. И. Шубин) большей частью переносят художника в интимную рабочую или семейную обстановку, подчёркивая интеллектуальные усилия творчества, зоркость анализирующего взгляда.
Крупные художники 19 в. (Ж. Л. Давид, О. Рунге, О. А. Кипренский, Г. Курбе, И. Н. Крамской) не только утверждают ценность творческой личности и её богатой духовной жизни, но и видят в себе олицетворение типичных устремлений своего поколения, своей социальной группы.
На рубеже 19 и 20 вв. автопортреты часто избираются для выражения личного мироощущения, собственной живописно-пластической концепции мастера (П. Сезанн), его внутренней духовной экспрессии (В. ван Гог, М. А. Врубель). В реалистическом искусстве 20 в. (К. Кольвиц, Д. Ривера, Р. Гуттузо), и в том числе в советском искусстве (С. Т. Коненков, М. С. Сарьян, П. П. Кончаловский), лучшие автопортреты выражают единство личного и общенародного, осознание художником своего общественного назначения.
Лит.: Gesser М., Das Selbstbildnis, Z., 1961.
АКЦЕНТ (лат. — ударение) — в изобразительном искусстве прием подчеркивания цветом, светом, линией или расположением в пространстве какой-нибудь фигуры, лица, предмета, детали изображения, на которую нужно обратить особое внимание зрителя.
В древней живописи акцент делался не только на пространственное изображение, но и на смысловое. Так, фигура военачальника была во много раз больше, чем фигуры воинов. В детских рисунках мы также наблюдаем, что наиболее значимые люди изображаются непропорционально большими.
АЛЛА ПРИМА (лат. — с первого раза) — художественный прием в живописи, состоящий в том, что картина пишется без предварительных прописок и подмалевка, разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс.
Принципы техники алла прима
Во многих отношениях живопись в технике алла прима - наиболее сложный метод работы масляными красками, поскольку он в огромной степени основывается на верном формировании каждого отдельного мазка, а не только на его собственных выразительных возможностях. Кроме того, результат зависит от цветовых и тональных характеристик выбранной краски, а также от цвета, тона и формы мазков кисти, примыкающих к уже нанесенному. Конечно, художник всегда может удалить неудавшийся участок с поверхности основы в процессе выскабливания, пока краска остается влажной, и затем переработать его. К этому прибегают многие художники; поэтому элементы работы, кажущиеся свежими, легкими и подвижными, на самом деле могут представлять собой результат шестой или седьмой попытки. Это вполне приемлемо, если в конце концов вы добиваетесь необходимого результата.
Как правило, способность внимательно изучать объект и верно переносить его в красках непосредственно на холст является результатом длительной практики - обычно в более систематизированных техниках живописи. Эта практика помогает художнику постепенно разрабатывать свой собственный, "персональный" язык в работе с краской, который может быть перенесен на любой другой объект живописи. Достижение беглости и подвижности в "языке" живописи требует от художника умения интуитивно оценивать и подготавливать на палитре смесь верного тона и цвета для каждого из участков холста, а также правильно выбирать кисть и методику работы. Кроме того, овладение собственным "языком" включает способность быстро принимать решения и готовность рисковать.
Во многих отношениях техника алла прима наиболее применима в работах малого формата, которые могут быть завершены в течение одного сеанса живописи. Это - отличный способ создания этюдов масляными красками, которые впоследствии могут быть переработаны в более крупные картины в условиях мастерской.
Систематизированные методики работы в технике алла прима
Далеко не все работы в технике алла прима отличаются экспрессивными характеристиками. Некоторые художники предпочитают работать в непосредственной и прямой манере, но наносят краски на пустое пространство холста медленно, последовательно и методично - до полного покрытия его поверхности; при этом на поверхность предварительно может быть нанесен рисунок карандашом.
АНАТОМИЯ ПЛАСТИЧЕСКАЯ — раздел анатомии, изучающий пропорции человеческого тела, зависимость внешних форм тела от их внутреннего строения и изменений, которые возникают в результате движения. Основное внимание в А. п. обращается на строение скелета и мускулатуры тела, на особенности соединения костей и мышц.
АНИМАЛИЗМ (лат. — животное) — изображение животных в искусстве. Анималистический жанр (от лат. animal – животное), вид изобразительного искусства, в котором ведущим мотивом является изображение животных. Остро стилизованные, имевшие, как правило, магическое значение фигуры зверей и птиц были распространены в первобытном искусстве, в памятниках евроазиатского "звериного стиля" (в том числе у скифов, сарматов, саков и других племен), у народов Африки, Океании, древней Америки; непревзойденной монументальностью отличаются изображения реальных и мифологических животных в искусстве Древнего Востока, экспрессивной динамикой – в настенных росписях, вазописи, пластике крито-микенской цивилизации, искусстве классической античности и эллинизма.
Собственно анималистическийжанр появился в Китае в периоды Тан (8 в.) и Сун (13 в.). В средневековом искусстве Европы были распространены почерпнутые из фольклора, языческих и христианских легенд сказочно-гротескные образы зверей и птиц; художники эпохи Возрождения (Пизанелло, А. Дюрер) начали рисовать животных с натуры. Европейский анималистический жанр сформировался (первоначально во многом как аллегорический - морализирующий, когда те или иные животные выступали как олицетворение человеческих пороков и добродетелей) в 17 в. в искусстве Голландии (П. Поттер, А. Кейп, М. де Хондекутер) и Фландрии (Ф. Снейдерс, Я. Фейт).
В дальнейшем в произведениях мастеров анималистического жанра естественнонаучный интерес и стремление к точному воссозданию повадок и природной пластики животных (К. Труайон во Франции, Б. Лильефорс в Швеции и др.) соседствуют с романтическим восхищением их силой и ловкостью (А.Л. Бари во Франции) или с декоративной стилизацией образов животного мира. Художники, работающие в анималистическом жанре называются анималистами.
Для того, чтобы изображение было правдивым,
от художника требуется знание анатомии, жизни и повадок животных и птиц.
Животные изображаются с глубокой древности, как самоценные объекты или как части целого произведения,например, в батальном жанре или в сцене охоты.
АНИМАЛИСТ — художник, работающий в этом жанре.
АНФАС — см. Фас.
Анфас" означает, что снимаемый смотрит прямо в камеру, а не вниз или в сторону.
АППЛИКАЦИЯ (лат. — прикладывание) — изображение, составленное из разноцветных кусков бумаги или ткани, приклеенных или пришитых к бумаге, холсту и т. д. А. называется и сам способ исполнения этих произведений.
Аппликация (от латинского аррliсаtiо — накладывание) - это способ создания художественных изображений из различных форм, фигур, вырезанных из какого-либо материала и наклеенных или нашитых на соответствующий фон. В аппликации употребляются самые различные материалы: кожа, войлок, сукно, береста, мех, ткань, соломка, бумага.
Многие художники-графики и в настоящее время с успехом используют силуэт как самостоятельное средство художественного выражения при создании экслибрисов, плакатов, в оформлении книг.
Тканевая аппликация
Аппликация — техника тканевой аппликации заключается в создании орнаментов или рисунков путём закрепления кусочков ткани на тканевом фоне. Кусочки можно приклеить или пришить. Аппликация может быть предметной, декоративной и сюжетной; одноцветной или многоцветной. Применяют как декоративный элемент как изделий, так и одежды.
Элементы аппликаций - цветы, деревья, птицы, звери - должны быть стилизованными, без лишних деталей. с чётким правильным контуром. Эскиз делают в двух экземплярах. Один экземпляр разрезается и служит выкройками, другой сохраняется и служит для контроля за правильным расположением элементов аппликации. Можно также сразу перевести с помощью копировальной бумаги весь узор на основную ткань, которая является фоном. Детали узора - на кусочки соответствующей ткани. При этом необходимо следить, чтобы направление нитей ткани на кусочках совпадало с направлением нитей на основной ткани. Особенно это касается больших деталей. К некоторым выкройкам надо делать прибавки в тех местах, где одна деталь заходит на другую, например, если надо соединить кофту с юбкой, то к концу кофты надо сделать прибавку и на неё пришить юбку. Если в узоре одинаковые фигуры встречаются несколько раз, то материю можно сложить и по бумажной выкройке раскроить сразу несколько экземпляров.
Аппликация может быть плоской и рельефной. Чтобы получить рельефное изображение, под вырезанные фигурки кладут вату, поролон. Рельефная аппликация красива, но её труднее чистить, стирать, также она может деформироваться.
Очень красивы оформленные аппликацией предметы домашнего обихода: портьеры, скатерти, дорожки, салфетки, детские коврики, сумочки, подушечки, фартуки, грелки на чайник, кухонные рукавички, прихватки. А в отделке одежды аппликация по частоте применения вполне может конкурировать с вышивкой.
АСИММЕТРИЯ — см. Симметрия. Отсутствие или нарушение симметрии. Асимметрию во флористике называют еще и свободной расстановкой. Асимметричная расстановка должна быть оптически уравновешена. Если главная группа находится слева от геометрического центра, то противоположную группу ставят справа дальше от него — по принципу рычага. Чем меньше по сравнению с главной группой противоположная, тем дальше ее ставят. Соседнюю группу располагают слева от главной. При этом все три части должны соотноситься друг с другом.
АХРОМАТИЧЕСКИЕ ЦВЕТА — см. Хроматические цвета. Ахроматические цвета — тона, не имеющие цветности и отличающиеся друг от друга только по светлоте. Ахроматический бесцветный тон характеризуется нулевыми значениями чистоты цвета и насыщенности. Ахроматические цвета воспринимаются как серые цвета (от белого до черного) с отсутствием цветовых оттенков. Термин был предложен Американской комиссией по колориметрии в 1922 г. для обозначения бело-серо-черного ряда цветов.
Ахроматический цвет
[ Achromatic colour ]
Цвет, лишенный цветового тона в смысле восприятия. Названия цветов белый
, серый
и черный
обычно используют для описания прозрачных, бесцветных или нейтральных объектов. В практике офсетной печати ахроматические цвета можно получать с использованием одной краски (K) или должным образом сбалансированных трех хроматических красок (C, M, Y).
Слово ахроматический греческое, и оно в переводе обозначает бесцветный. Нетрудно видеть, что ахроматические цвета отличаются один от другого только светлотой. Среди них белый самый светлый, а черный самый темный. Между белым и черным можно расположить огромное количество серых цветов, различных по светлоте. В тканях самым темным будет бархат, самым белым – отбельные ткани. Для чисто ахроматических цветов характерно отсутствие в них даже малейшего оттенка, какой – либо синеватости, зеленоватости, желтизны и т. д. Ахроматический цвет – это цвет совершенно нейтральный.
Слово хроматический обозначает цветной. К хроматическим цветам относятся: желтый, оранжевый, красный, пурпурный, фиолетовый, синий, голубой, зеленый и их многочисленные оттенки.
Хроматические цвета могут оцениваться нами по трем признакам: цветовому тону, цветовой насыщенности, светлоте.